Hodnocení každého Palmeho z filmového festivalu v Cannes

Roční humbuk ocenění má tendenci řídit dojem, že Oscar je nejvyšší ocenění ve filmové komunitě. Ale pro nesčetné filmaře a cinefily z celého světa, Palme d ’; Nebo vyjde dopředu. Filmový festival v Cannes od roku 1955 sestavil náročnou porotu A-listers, aby udělil tuto čest na exkluzivní soutěžní sekci s některými z největších autorů, které média znají.



Třpytivý Golden Palm, původně známý jako Grand Prix, hrál klíčovou roli při rozvíjení kariéry, ale stejně tak často padl na veterány této formy a během sedmi desetiletí poroty uznaly ohromující škálu filmových úspěchů. Některé z těchto cen však byly hodnotnější než jiné.

Zde je pohled na všechny vítěze Palme v průběhu let, seřazené podle toho, které z nich věříme, že si to zaslouží nejvíce. Celkově vítězové poskytují komplexní přehled mezinárodního filmu za posledních 72 let a každý, kdo nezná tyto tituly, by měl následující seznam považovat za nezbytného průvodce prohlídkami.



71. “; Fahrenheit 9/11 ”; (2004)

Michael Moore v Cannes



Laurent Rebours / AP / REX / Shutterstock

Ocenění dokumentárního filmu Michaela Moorea v roce 2004 jsou rozsáhlá: údajně dvacetiminutová dlouhá ovace v Cannes, nejvyšší pokladna, která kdy stála za doc, Mooreova první (a zatím pouze) Palme d'Rsquo; Nebo vyhrajte . A přesto to neznamená, že je pro kritiku neprostupné, nebo že dokonce vydržel za 15 let od svého prvního příchodu na Croisette. Jak otrok, tak facka, to, co se kdysi zdálo být naléhavé a znepokojivé, se nyní hraje jen jako agitace bez toho, aby se toho hodně ukotvilo. Zip mezi tragédií z 11. září, vojenským záznamem George W. Bushe a rozšířenou metaforou o pálení papíru, je to film, který ukazuje tendenci Moora k tupé metafoře, se zdánlivě bez omezení. Sám Moore se vrátil z filmu s lepší, pevnější a rafinovanější prací, včetně loňského rahquheit Fahrenheita 11/9, rdquo; který slouží jako kousek korekce kurzu jeho předchůdci. —KE

70. “; Tichý svět ”; (1956)

První film Palme příjemce a jeden ze dvou dokumentárních vítězů, Jacques Cousteau popis jeho oceánských studií na Calypso propagoval podvodní barevné fotografie. Spolu s režisérem Louisem Mallem (předváděním jeho pozdějších dokumentů) zůstává i nadále vizuálně silným filmem, i když se jeho obsah nyní cítí dobře známý. V té době to bylo pro diváky otevření očí. Columbia jej uvedla divadelně v USA a získala také nejlepší celovečerní dokumentární film Oscar. Dnes však není zestárnuto: Vyprávění má naivní kvalitu a filmařství trpí někdy nepříjemným pocitem bezohlednosti prostředí. —TB

69. “; Keeper of Promises ”; (1962)

Francois Truffaut byl jedním z porotců roku, kdy tato nejasná brazilská náboženská bájka vyhrála. Přišlo rok poté, co Bunuelova heretická komedie Viridiana uvázala na ceně. Tento mnohem didaktičtější příběh, založený na hře a vrcholném dialogu (podstatně natočený na schodech kostela, kde se rolník pokouší obětovat). Konflikt nastává, když se strašná duchovní hierarchie obává, že jeho úsilí je poskvrněno voodoo. Jde o divný vítěze Palme v historii. Jednalo se o kandidáta na Oscara v cizím jazyce, ale ani s dvojím vyznamenáním se v USA neobjevil, a pak sotva až do roku 1964. Ve stejném období se zrodil brazilský kino Nuovo, jedna z nejdůležitějších nových nových vln 60. let. Zůstává jediným brazilským vítězem a jediným z Duarteových filmů, který měl významnou expozici v zahraničí. —TB

68. “; já, Daniel Blake ”; (2016)

'Já, Daniel Blake'

Anglický režisér Ken Loach vyhrál svůj druhý film Palme d'Or po filmu „Vítr, který otřásá ječmenem“, díky drsnému dramatu kuchyňského dřezu 2016 „Já, Daniel Blake.“ Film se zaměřuje na příběh Loacha 59letého přeživšího infarktu bojujícího o finanční podporu z anglického systému sociální péče. Téma je téměř příliš chmurné. Loachův scénář se drží utiskujícího tónu, který nabízí malým okamžikům lhostejnosti nebo překvapení těm, kteří jsou ochotni snášet své trestné detaily. Pouze dvě představení, která Loach vystoupí z Davea Johnse a Haley Squires, zvyšují jinak ponurý tón. Zejména panoši poskytují nezapomenutelnou práci jako svobodná matka, která se spřátelila s titulní postavou. Loachův skript nutí oba herce projít emocionálním žmýkáním a je to způsob, jakým vycházejí na druhou stranu s neporušeným lidstvím, což způsobuje, že „já, Daniel Blake“ překročíme cílovou čáru jako působivé drama, i když to, s čím nemůže konkurovat to nejlepší z Cannes. polyoxyethylen mastné

67. The Son's Room ”; (2001)

'The Son's Room'

'The Son's rsquo; Room ”; může být hoden Palme d ’; Nebo, ale rozhodně to nebylo hodné Palme d ’; Nebo v roce 2001, kdy Nanni Moretti's somber drama vyhrálo vítězství nad sestavou okamžitých klasiků, jako je Mulholland Drive, ”; ; “; Millennium Mambo, ”; a „muž, který byl“, tam ”; (a to právě spočítá soutěžní filmy, které začaly písmenem M ”;). Od té chvíle byl tento bolavý malý film odsouzen k věčnosti, že se dostal na konec seznamů, jako je tento. A to je pravděpodobně to, kam patří.

Ať už je to jakkoli, vyhrávat cenu, kterou si vůbec nezaslouží (vůbec), je nejhorší hřích, který je The Son's r " zavazuje se. Celovečerní reklama Briana Ena, která je maskovaná v něžném meditativním portrétu rozbité rodiny, která se snaží znovu sestavit, by Morettiho film nemohl být mnohem jednodušší: Spisovatel-režisér hraje jako terapeut, jehož život je pokřivený smutek, když se jeho sedmnáctiletý syn utopí. Nakonec, po mnoha domácích sporech a vnitřních reflexích, Giovanni a jeho manželka (Laura Morante) přicházejí do styku se svou přítelkyní svého zesnulého syna rsquo; a odvedou ji, aby jim pomohli přejít od jejich ztráty - což je proces, který pochopitelně zahrnuje poslech Eno ’; s “; Touto řekou ”; (možná nejpustější píseň, kterou kdy napsal) znovu a znovu. “; místnost Syna ”; nemusí být nejinovativnějším nebo nejambicióznějším filmem, který má premiéru na Croisette (ve skutečnosti to může být jeden z nejméně), ale chápe strašlivé trumy smutku a přesvědčivě se potýká s bolestivou realizací, že ztráta někoho znamená, že je nikdy nedostane zadní. —DE

66. “; Dheepan ”; (2015)

'Dheepan'

Někteří jej považují za vítězství v kariérním úspěchu pro Jacquese Audiarda, který dříve na festivalu získal dvě hlavní ceny (Nejlepší scénář pro „A Self Made Hero“ a Grand Prix pro „A Prophet“), „Dheepanovo“ vítězství nebylo Obzvláště inspirováno. Rok 2015 byl také rokem „Syn Saula“, „Assassina“, „Carol“ a „Humra“, který měl premiéru v soutěži, a přestože žádný z Croisette nenechal prázdnou ruku, bylo v té době obtížné ani se necítit byli zkráceni. „Dheepan“ má jistě své okamžiky, od nápadných titulních karet až po vystoupení Antonythasana Jesuthasana v hlavní roli, ale jeho násilný akční film se zdá být odstraněn z nějakého jiného, ​​menšího filmu. —MN

65. “; Vítr, který otřásá ječmenem ”; (2006)

Britský režisér Ken Loach představuje s cenou Palme D'or, kterou vyhrál za svůj film „Vítr, který otřásá ječmenem“

Christophe Karaba / EPA / REX / Shutterstock

První a více zaslouží si dva vítěze Palme d´Or Ken Loach, „Vítr, který otřásá ječmenem“, stále není časovačem. Cillian Murphy a Pádraic Delaney hrají jako dva bratři, kteří se připojili k IRA, aby bojovali za irskou nezávislost v roce 1920, přičemž Loach režíroval ze scénáře častý spolupracovník Paul Laverty; jako většina nedávných projektů filmaře, i toto válečné drama je dobře nainstalováno, ale postrádá ducha, díky kterému se líbí „Kes“ tak přesvědčivým. To mu nezabránilo v tom, aby v Cannes zůstal oblíbeným - měl zde premiéru tucet filmů a kromě těchto dvou Palmesů nějakým způsobem získal cenu poroty za „podíl andělů“ - ai když „vítr“ Že Shakes the Barley “není jeho nejlepší hodina, je těžké mu vzdát čest. —MN

64. “; cínový buben ”; (1979)

Volker Schlöndorff's rinquin; The Cin Drum ”; nějak se podařilo spojit „Apokalypsa nyní“ a získat tak největší čest filmového světa za „Dny nebe“; a moje skvělá kariéra ”; (a vy jste si mysleli, že porážka horolezectví Brokeback Mountain byla hanba). Přizpůsobeno z Günter Grass ’; alegorický román stejného jména, Schlöndorffův báječný epický příběh vypráví o bouřlivém příběhu mladého blonďatého chlapce jménem Oskar Matzerath (David Bennent), Joffreyho Baratheona vyhlížejícího tyka, který dal na své třetí narozeniny cínový buben, a pak slibuje, že nikdy nezestárne.

Je rok 1927, svět se pokouší obnovit nějaký rytmus mezi válkami a malý Oskar nemá zájem hrát roli v příštích krutostech; tento neznesitelný maličký troublemaker - stand-in pro všechny německé lidi, kteří kopali hlavy do písku - chce jen třesknout na buben a křičet na jeho plíce, kdykoli se dostane zvráceně (jeho pronikavé výkřiky mají moc rozbít sklenka). Bennent, kterému bylo v době natáčení dvanáct, přináší silný, neředěný výkon, který se dostane pod kůži a zůstane tam téměř tři hodiny, ale picaresque vyprávění nedokáže najít trvalý rytmus, a dokonce i jeho nejnepokojivější epizody skitter podél povrch myšlenek prezentovaných v Grass ’; rezervovat. Oskar možná nikdy nezestárne, ale jeho film ano. —DE

63. “; The Child ”; (2005)

Cannes miluje několik filmařů, jako jsou bratři Dardennes, kteří se připojili k dvojnásobnému klubu Palme d'Or v roce 2005 s The The Child. (Dříve to vyhráli za „Rosetta“ v roce 1999 a pokračovali v cestě domů za nejlepší scénář pro „Lorna's Silence“ a Grand Prix za „The Kid with a Bike“.) Další příklad jejich afinity k realismu s nízkými klíči se zaměřením na downtrodden, to následuje po mladých, neosobních pokusech o pár po existenci syna - který ve své nekonečné moudrosti prodává otec (častý spolupracovník Dardenne Jérémie Renier) kroužku pro přijetí na černý trh. Většina filmů filmových sourozenců funguje v této oblasti, ale jen málo z nich je tak dojemných - nebo si zaslouží vavříny v Cannes. —MN

62. “; Marty ”; (1955)

Vítěz prvního Palme d'Rsquo; Or, Delbert Mann's 'ldquo; Marty ”; Vypadá to, že je to příliš skromné ​​na to, abyste vydělali některou z těchto cen, natož obojí. Příběh řezníka v Bronxu (Ernest Borgnine), který rezignoval na život svobodného mládence - v té době hanebnou podmínku - film v podstatě sleduje svou nenávistnou titulní postavu, když hledá dívku jako „patetický“ úbohý a rdquo ; tak, jak je, a pak se snaží nenechat ten, kterého najde (Betsy Blair), proklouznout mu prsty.

„Marty“

Říká se strohostí draka Ozu a smutkem smutku „ldquo; udělejte cestu pro zítřek“ ”; “; Marty ”; je osamělý příběh o lásce srdce, který se cítí mnohem větší, než se zdá na povrchu, zejména jakmile se postaví do popředí hrdina máma (Esther Minciotti) a uvědomíte si, jak málo se má udržet pohromadě. Postavy ve skriptu Paddyho Chayefského jsou produkty jejich času (jeden okamžik, ve kterém Marty jezevci své datum pro polibek na dobrou noc, může být pro moderní diváky zvlášť obtížné spolknout), ale jejich jámy a touhy jsou hmatatelné nadčasovosti. a Martyho klimatické soliloquy předávají vesmír lidské touhy v několika krátkých větách. Jinými slovy, Mannův film má stále co nabídnout, než jen být osudovou odpovědí v Quiz Show. —DE

61. “; Friendly Persuasion ”; (1957)

V dramatu Williama Wylera z roku 1956 založeného na románu Jessamyn Weste z roku 1945 se víra a pacifismus mírumilovné rodiny Quakerů vedené Garym Cooperem testují během občanské války. Dorothy McGuire a Anthony Perkins završují hlavní roli filmu o rodině, která se snaží udržet svou identitu uprostřed zmatku a zlomení srdce za války. Vítězná představení, krásně zastřelená vedle skvělého skóre Dimitriho Tiomkina, posílí tento teplý a krásný příběh, který ukazuje, že pokud jde o to, co je v srdci rodiny, opravdu není tak velká propast mezi současností a Před 150 lety. Film nemusí být nej dobrodružnějším filmovým úspěchem v historii výherců Palme d'Or, ale byl nominován na šest cen Akademie, včetně Best Picture, Best Director a Best Herec v vedlejší roli. -NA

60. “; Nejlepší záměry ”; (1992)

Švédský Bille August vyhrál dvakrát Palme d'Or. Ingmar Bergman nikdy neudělal žádný film, ačkoli mu bylo uděleno speciální Palme jako nejlepší žijící režisér, který nikdy nevyhrál na 50. výročí festivalu. Tento tříhodinový celovečerní film z plánovaných delších televizních minisérií (podobně jako Bergmanův vlastní „Fanny a Alexander“, který existuje v obou verzích) sleduje příběh filmu o jeho dětství s poněkud spekulativním pohledem na vztah rodičů. Na základě scénáře Bergmana (vybral režiséra) získala jeho cena Pernilla (předchozí Bergmanova hvězda) cenu za nejlepší herečku. Max von Sydow také hrál. Obdržel méně než jednomyslné kritické chválu, rozhodně mnohem méně než „Fanny“ nebo srpnové vlastní „Pelle“. Jeho americké vydání to vidělo mezi 10 nejlepšími titulky z roku 1992, ale jen s zlomkem toho, co „Fanny“ udělal stejně dobře „Pelle.“ Srpen následoval stále více konvenční série prestižních filmů (včetně „The House of the Dirits“ a 1998 non-muzikálu „Les Miserables“), který byl v poslední době méně viděn mimo Švédsko. —TB

59. “; Pelle dobyvatel ”; (1988)

Švédský režisér Bille August spoluautorem a režisérem tohoto rozsáhlého eposu z poloviny 19. století, který nese určitou podobnost s chválenými 70. hity „The Emigrants“ a „New Land“ Jana Troella, také hraje Maxe von Sydow. Tentokrát veterán Ingmar Bergman hraje jako zbídačený starší švédský muž, který emigruje do Dánska a slibuje svému mladému synovi Pelle (Pelle Hvenegaard) lepší život. Místo toho najdou otroctví brutálnímu farmáři (Axel Strøbye), který ubytuje své nové pracovníky ve své kuřecí bedně. Po strašném špatném zacházení se Pelle přizpůsobí, učí se dánsky a najde si cestu, zatímco jeho stárnoucí otec Lasse najde lásku k osamělé ženě, jejíž nezvěstný manžel se, bohužel, vrací po letech na moři. Největší rozpočtová produkce Skandinávie (4,5 milionu USD), koprodukovaná Dánskem a Švédskem a natočená kameramanem Jorgenem Perssonem, vyhrála v roce 1988 Palme d'Or, kritické ravy a cizojazyčný Oscar pro Dánsko. „Pelle dobyvatel“ byl vyzvednut k distribuci po celém světě; díky účinnému marketingovému úsilí Miramaxu (v Severní Americe vydělal 2 miliony dolarů) získal Von Sydow svou první nominaci na Oscara za nejlepšího herce za jeho srdcervoucí výkon jako zlomený muž, který na konci filmu nemůže sám čelit emigraci, ale sám odešle jeho syn směrem k Americe. -NA

58. “; Blue je nejteplejší barva ”; (2013)

'Modrá je nejteplejší barva'

Jediný film na tomto seznamu, který sdílí nejlepší ocenění se svými hvězdami, tříhodinová romantika Abdellatifa Kechicheho skvěle vyzvala walkouts v Cannes, než vyhrál Palme d'Rsquo; Nebo - rozdělil tři způsoby mezi režiséra a jeho dvě hlavní herečky. Film je podle grafického románu sexuálním příběhem o mladém učiteli jménem Adele (Adele Exarchopoulos), který se okamžitě ocitne v lordu Emma (Lea Seydoux). Místnost se zastaví, když se dívají jeden na druhého v přeplněném klubu, a začnou chtíčem podporovanou aféru, která má za následek tři epické sexuální scény. Zatímco příliš velká délka (a akrobacie) scén v ložnici zvedla obočí, překvapivě ne, dokud se cítí. Ale nejedná se pouze o sexuální scény, které jsou dlouhé: závazek Kechiche k realismu se vztahuje i na dlouhé záběry Adele, jak jíst špagety, učit malé děti a sprchovat se. Přesto, i když je kontroverze kolem filmu, nechtěli bychom házet. Modrá je nejteplejší barva; ven z postele. —KE

57. “; Mise ”; (1986)

Dva roky poté, co debutoval „The Killing Fields“, byl opravdu příznivý, Roland Joffé se vyhnul propadu sophomore (a pak některým) vyhráním Palme d'Or. Robert De Niro a Jeremy Irons mu v této misi pomáhali jako žoldnéřský a jezuitský kněz v Jižní Americe v 18. století, jejichž pokusy šířit dobré slovo nejsou jejich budoucími hostiteli tak vítáni. (Pokud to zní vůbec podobně jako „Ticho“ Martina Scorseseho, je to - a tyto dva filmy by udělaly dvojnásobnou funkci.) Jejich hledání není snadné, povznášející nebo dokonce úspěšné, ale slouží jako připomínka jak mocné věci víry a spirituality mohou být při správném zacházení - něco, co ve většině vírově založených dramat opožděně chybí. Skrze to všechno se snaží vzpomenout si na jednu klíčovou pasáž z Bible: „Světlo svítí ve tmě a tma to nepřekoná.“ —MN

56. “; Ptáci, včely, Italové ”; (1966)

„Signore e Signori“ byl italský název, ale anglický titul (používaný pro jeho americké vydání přes Warner Bros.) vyjadřuje tón této třídílné komedie nesouvisejících epizod. Filmy Omnibus Continental byly běžné v 50. a 60. letech, obvykle však u producentů, kteří využívají více režisérů v tematickém úsilí. V tomto případě, režisér Pietro Germi, po „Rozvodu, italském stylu“ a „Seduced and Abandoned“ (sdílel Oscara pro psaní bývalého), to byl vítězný kolo v době, kdy byl mezi italskými režiséry druhý na Fellini v popularitě v USA Film se příběhy o cizoložství, impotenci a nezletilé svůdce sdílel Palme s „Mužem a ženou“ Claude Leloucha. Oba filmy - prohlédnuté o půl století později - slouží jako hlavní příklady toho, co v té době apeloval na domácí publikum o evropském kině. —TB

55. “; Třída ”; (2008)

Vzácný školní film ”; který nevrhá svou ústřední učitelskou postavu jako optimista s kohoutovýma očima nebo pravidelného bláznivého disciplinaristy, Laurent Cantentovu adaptaci semic autobiografického románu Françoise Bégaudeaua (který také hraje ve filmu) o jeho vlastních zkušenostech s výukou je o nalezení odstínů mezi věcmi (a lidmi). Možná je třeba poděkovat rodičům Cantentových - oba učitelé - nebo obsazení převážně neherců, nebo Cantentův free-wheeling, improvizační scénář. To, že ani Cantent, ani Bégaudeau nebyly s tímto materiálem vzácné, je jasné, a výsledkem je živý film, který tiše oživuje podžánr (francouzskou svorku) zkoumáním realismu a náklonnosti. Děti, které oblékají zbytek obsazení - skutečné dospívající, jaký nápad! - vyřezávejte pro sebe jedinečné prostory a stejně jako jejich učitel nikdy neukládejte konvenci ani tropy. Proto je společnost Cantent schopna snadno prozkoumat větší otázky a snažit se natočit film o rozdílech, které se často projevují ve vzdělávacím prostředí - od intelektuálního k ekonomickému - aniž by s nimi někdo udeřil do hlavy. V průběhu roku se občas meandrující filmové stopy mění, jak se kalendář mění, a když je škola venku na léto, je těžké se cítit trochu toužebně za všechno, co přišlo dříve. —KE

54. Dělnická třída jde do nebe / Matdhi Affair ”; (1972)

Vzácný případ roku se spoluvýherci, který by také vytvořil perfektní repertoár dvojí funkce. Oba z Itálie, z nichž oba hrají Gian Maria Volonte, obě se hlásí k levicovým tématům, jsou časovou kapslí jakési evropské kinematografie z počátku sedmdesátých let. Oba přišli od předních zavedených režisérů - Petri, z hlavního proudu / žánru, právě vyhrál Oscar za cizí jazyk za „Vyšetřování občana nad podezřením“ a Rosi dosáhla na počátku šedesátých let význam pro „Salvatore Giuliano“. Mattei Affair “byl typickým příkladem toho, co„ Giuliano “pomohlo vytvořit jako druh biofilmu. Buď přímo pořizoval historickou postavu, nebo představoval řídce zahalené zobrazení, představoval postavu bojující proti korupci (často ve vládě, ale také v podnikání a mafii). „Z“ těsně předtím, „Stavisky“ Alaina Resnaise, jsou další hlavní příklady toho, co BFI v retrospektivě Rosiho filmů nazývalo „vyšetřování kine“, které odhalilo zločin a nespravedlnost, obvykle v nejvyšších vrstvách společnosti. „Mattei“ byl o vládním úředníkovi, který zpochybnil italskou ropnou oligarchii, poté zemřel při záhadné letecké havárii s obviněními, které britská vláda vykreslila.

Dnes se řadí pod Rosiho špičkové filmy, které spolu s filmem „Giuliano“ zahrnují „Hands Over the City“, později „Christ Stopped at Eboli“ a „Three Brothers“. V USA vyšel Paramount (to byly jiné časy) na minimální dopad. (Rosiho příští film „Lucky Luciano“ s Rodem Steigerem jako legendární davovou postavou měl mnohem širší uvolňovací příspěvek „Kmotr.“) V každém případě to bylo výraznější než minimální propuštění přiřazené „Working Class“ (americký název) : „Lulu the Tool“) nedávno vytvořeného a často politického kina New Line. Lulu je dělník v továrně, milovaný svými šéfy pro svou produktivitu a ne houpající se na lodi. Jeho spolupracovníci ho nemilovali. Když při nehodě ztratí prst, jeho život se začne rozpadat a začne se odcizovat světu. Toto byl prostřední film Petriho takzvané „trilogie neurózy“ („Vyšetřování“ bylo první). Tady, nejen vlastníci, ale i jeho spolupracovníci, jsou terčem cynismu, se zaměřením na sympatickou mužskou postavu, která ztratila ložiska (film se cítí jako šablona pro poněkud méně politickou sérii filmů Liny Wertmuellerové krátce poté s Giancarlem Giannini). „Mattei“ i „dělnická třída“ se cítí jako časové kapsle minulé éry, se zvlášť silným místním působením (oba byly v Itálii hlavními hity) - jsou to politické, nervózní, rozzlobené a připomínající druh kina, které Krátce vzkvétal, ale postrádal kvalitu nadčasovosti. —TB

53. “; bílá stuha ”; (2009)

„Bílá stuha“

Michael Haneke rád tlačí knoflíky svého publika a rozhodně to udělal znovu s tímto černobílým dobovým dramatem, které je subtextuálně o vzestupu nacismu. Set na předvečer atentátu na arcivojvodu Ferdinanda v roce 1914 v malém severoněmeckém městě Eichwald, 'Bílá stuha'; sleduje několik různých rodin, které si neuvědomují, že jejich existence bude navždy zničena. Hodně z filmu je o dětech, prezentovaných jako bratranci Bösekinderů nelidských tyků ve vesnici Zatracených. ”; Důsledek? Toto je nacistická generace v proto formě; vyrostou a nasměrují všechny hrůzy, které následují. Porota soutěže v Cannes zjistila, že četba původu fašismu je hluboká. Zda je to opravdu diskutabilní; nezpochybnitelné je, že filmová kinematografie je mimořádně atmosférická, stejně jako cvičení v německém expresionismu, zlověstné stíny vrhané z listů větru a všech ostatních. Dread vylévá z každého snímku, takže Hanekeho film je viscerální zážitek, i když si člověk přeje, aby byl stejně stimulující i pro intelekt. —CB

52. “; Sbohem můj konkubína ”; (1993)

Chen Kaige na chvíli udělal luxusní epos, který porazil podobu nahého rdquo; and “; loutkář ”; pro Palme d ’; Nebo v roce 1993 to vypadalo, jako by se objevil jako definující hlas takzvané 'páté generace'; čínských filmařů. Bohužel to nemělo být; Sledování Chenovy, Temptress Moon, ”; byl zmaten problémy s výrobou a problémy s cenzurou a ještě se plně zotavil. Ale i když se Chenovi podařilo rozšířit kritický a komerční úspěch, užil si s epickým portrétem Pekingské opery v zákulisí, “; Farewell My Concubine ”; bude si pravděpodobně stále pamatovat jako korunní klenot na vrcholu své kariéry.

Jako u mnoha filmů páté generace, “; Farewell My Concubine ”; je orámováno výkyvem kulturní revoluce, ale Chenovo mistrovské dílo stojí mimo velkolepost jeho rozsahu, melodrama jeho příběhu a význam jeho písní. Film trvá déle než 50 let a sleduje dvě postavy od dětství až do smrti, protože jsou přiřazeny ke konkrétním rolím ve starověké tradici a jsou nuceny udržet si své role, i když se svět kolem nich mění (Leslie Cheung a Zhang Fengyi hrají protagonisty) jako dospělí, zatímco velký gong Li se jeví jako tragický kurtizán, který mezi nimi přichází, i když ne tak, jak byste mohli očekávat). Luxusní a fascinující svědectví o tom, že politický blahobyt je součtem miliard osobních dějin, „Rozloučit se s mou konkubínou“; Harvey Weinstein byl hacknut dolů kvůli jeho americkému propuštění, ale celá 171minutová škrta - v zoufalé potřebě obnovy - letí v srdečném záblesku. —DE

51. Úhoř ”; (1997)

Japonský mistr Shohei Imamura sdílel Palme s Abbasem Kiarostamovým Taste of Cherry ”; pro toto napjaté drama o druhých šancích. Příběh se točí kolem Takuro (Koji Yakusho), muže uvězněného za zabití své nevěrné manželky a po propuštění z vězení nucen obnovit svůj život. Po otevření holičství si vynutil pouto s despondentem Keiko (slečna Shimizu) a nakonec se vtáhl do jejích dramata vztahu s místním žralokem. Imamura již byla významnou postavou japonské nové vlny, když dodal toto pohlcující ztělesnění hněvu a zranitelnosti, které se tlouklo pod povrchem moderní identity jeho země, a je to ideální úvod do jeho práce - intimní, prošpikovaný morálkou nejednoznačnost a ponurá vina, podaří se jí zasáhnout i poznámku o touze pokračovat, i když vyhlídky vypadají bezútěšně. —EK

50. “; strašák ”; (1973)

Režisér Jerry Schatzberg sdílel Palme z roku 1973 s “; The Hireling ”; za toto klasické ztělesnění největší dekády pro americkou kinematografii vyráběnou ve studiu. Ambiciózní drama najde dva vzpurné muže (Al Pacino a Gene Hackman ve výšce své filmové přitažlivosti), které spojují své síly, aby zahájily podnikání, protože podnikají nešťastnou cestu, aby se znovu spojily se starými příbuznými, kteří se bez nich pohybovali. V průběhu procesu se podruhé ocitnou ve vězení (pro Hackmanovu postavu) a pokusí se znovu nastartovat své životy s smíšenými výsledky. Ale toto úsilí je především odrazovým můstkem pro první skutečně moderní kámošský film, protože si dvojice vytvoří jedinečnou společnou závislost, kterou by jejich další životní vztahy nikdy nemohly poskytnout. S dvojitým úderem paniky v Needle Parku z roku 1971 ”; a tato přitažlivá seriocomická studie charakteru prokázal Schatzberg, že byl jedním z nejpůsobivějších amerických režisérů, kteří se v této uctívané dekádě objevili - a zůstává jedním z nejméně oceněných. —EK

49. Když byl otec pryč v podnikání ”; (1985)

Emir Kusturica, srbský Yugloslav, udělal pouze jednu funkci, než to byl překvapivý vítěz roku 1985. Je to první z jeho dvou příjemců Palme („Underground“ v roce 1995 je považován za jeho mistrovské dílo). Ačkoli to není autobiografické, provádí autobiografické stínování při rekreaci jugoslávské 50. let a jak komplikovaná politika (včetně přestávky z Moskvy) ovlivnila život šestiletého chlapce. Říká se mu, že jeho otec, ve skutečnosti politický vězeň, cestuje za prací. Tento zdlouhavý příběh zahrnuje bohatou škálu nadměrných postav, zemské ocenění jejich bojů a schopnost vyrovnat se (podobné dřívějším českým filmům New Wave; Kusturica studoval film v Praze) a vášnivou lásku ke své komplikované zemi krátce před koncem komunismu a jeho sestupu do občanské války. Klíčem k jeho úspěchu je citlivost zprostředkovaná z pohledu malého chlapce. Kusturica sám často působí a je také hudebním umělcem. Jeho zkušenost v obou oborech dává tomuto filmu zvláštní barvu. —TB

48. Náměstí ”; (2017)

'Náměstí'

Tři roky poté, co debutoval svou nepříjemnou černou komedií Force Majeure ”; na festivalu se švédský filmař Ruben Östlund vrátil s novým převzetím další instituce, která potřebuje spravedlivé špejle. Zatímco “; Force Majeure ”; převzal rodinnou jednotku a pojem maskulinity, Náměstí ”; šel po staidním uměleckém světě a dokonce nabídl některé jedinečné pohledy na moderní ženskost v tomto procesu. Většinou se jedná o poslání trhu současného umění a virové šíření sociálních médií, The Square ”; vycpává svůj pobouřený humor několika záludnými představeními, od Claese Banga po Elisabeth Mossovou. Stále je to umělecké dílo Terryho Notaryho s plně otevřenou škrticí klapkou, které skutečně řídí film. Hraje zde jako Oleg, muž, který se chová jako lidoop a dokáže přimět své publikum - jak ve filmu, tak v divadle - aby pocítil děsivé spektrum emocí. To je to, k čemu je umění - a to i ve svých nejhlubších extrémech - a to je místo, kde Östlund nadále hledá své vlastní ořechové způsoby, jak vyniknout. —KE

47. Kroniky let ohně ”; (1975)

Gillo Pontecorvo „Bitva o Alžíry“, mistrovské dílo vyprávěné z pohledu cizince o válce této země za nezávislost na Francii, maluje boj v městském prostředí. „Kronika let ohně“ vyrobil alžírský, z arabského hlediska, asi 15 let před vypuknutím skutečné války v roce 1954. Tento tříhodinový film zná a intimní v zobrazení svých postav a dobrý historický úvod k tématu, ale postrádá filmový rozsah dosažený egyptským Yuossefem Chahinem, mistrem sarahanského afrického filmu. Film se setkal s hrozbami smrti, když byl uveden v Cannes, s hněvem mezi pieds-noirs - evropskými občany Alžírska, když se jednalo o francouzskou provincii - a stále se točilo. Nikdy neobdržel konvenční americké divadelní představení a dodnes zde zůstává málo známé. —TB

46. “; Rosetta ”; (1999)

Belgičtí sourozenci autoři Jean-Pierre a Luc Dardenne vyhráli své první ze dvou Palme d ’; Ors za tuto klíčovou práci sociálního realismu, žánru, který dnes činí lépe než kdokoli jiný. Příběh titulárního mladého teenagera (Émilie Dequenne, která na festivalu vyhrála nejlepší herečku) bojující životem v přívěsném parku s její alkoholickou matkou je destilací Dardennes ’; schopnost řemesla absorbovat zobrazení života nižší třídy prostřednictvím výrazných osobností a pomalého hoření. Rosettina pátrání po práci v místním obchodě s oplatkami, a to i na úkor laskavého muže, který tam pracuje, staví na sérii neškodných incidentů, při nichž se hrozí, že se příběh přemění v nesmyslnou zločinnou ságu. Ale Dardennes je chytřejší než to, a udržujte publikum závislé na tom, že naznačuje, že Rosetta má frustrace nad okolím, aby vyvolala hrozné okolnosti, i když drama zakořenilo v její psychologické nejistotě. Nejednoznačné finále není docela šťastný konec, ale podaří se mu sdělit marnost, že se snaží opravit nefunkční systém - ve skutečnosti nic, co Rosetta neudělá, nemůže změnit její situaci - a přitom naznačuje, že přežije další den prostřednictvím společnosti. Film ukazuje, jak moc Dardennes dokázal vyrobit vlastní verzi neorealismu založenou na současných belgických koncernech. Především, Rosetta ”; ilustruje Dardennes ’; zálibu pro sloučení dourového sociálního komentáře s prvotřídním napětím. Je to strhující drama od filmařů, kteří vynikají tím, že proměňují mopey naturalismus v intenzivní viscerální zážitky. —EK

45. The Hireling ”; (1973)

Dva roky poté, co v Cannes zvítězil film „Go Between“ od Josepha Loseyho, druhá adaptace románu o nedovolené lásce mezi aristokrací anglického venkova sdílela nejvyšší vyznamenání („Strašák“). Režisérem Alanem Bridgesem, dříve známým pro režijní hry na BBC, hrál Robert Shaw jako šofér, který se zapojil do Sarah Miles jako jeho bohatý zaměstnavatel. Nejedná se o „jízdu slečny Daisy“, ale spíše o kritickou studii o tom, jak mohou perspektivy vychýlené třídními rozdíly vést k poškození a zranění. Toto mělo mnohem menší dopad než Loseyho dřívější film, ačkoli oba dostali domácí vydání přes Columbii. Mosty pokračovaly většinou v televizní práci, i když jeho pozdější „Návrat vojáka“ a „Střelecká strana“ získaly v následujícím desetiletí skromnou pozornost. —TB

44. Knack a jak jej získat ”; (1965)

Richard Lester v návaznosti na klasiku Beatles „A Hard Day's Night“ je další kinetickou fackou miláček k 60. letům. Tato černobílá komedie romantických způsobů přizpůsobená Lesterem a Charlesem Woodem z hry Ann Jellicoe používá sbor barevných starších Londýnčanů, aby komentovali sexuální morálky mladých, ztělesněné bederní bubeníkem Tolenem (Ray Brooks). Má „talent“ přistávacích dívek, zatímco méně plynulý a praktikovaný učitelka Colin (Michael Crawford) to ne. Aby se naučil od mistra, Colin se pohybuje s Tolenem, aby si na vlastní oči všiml jeho svádění. Když získává větší čtyř plakát, potká Nancy, plachý, usměvavý gamin ze země hledající YWCA (Rita Tushingham), který mu pomáhá nést postel zpět do bakalářské podložky, kde Colin nechce sdílet ji s jeho kamarádkou. Když Nancy omdlí a myslí si, že ji Tolen znásilnil, dochází k nedorozuměním. Lester má nejen své herce oslovit fotoaparát, ale používá disjunktivní editační techniky, vtipné titulky, a jazzy John Barry skóre. (Jane Birkin, Charlotte Rampling a Jacqueline Bisset všichni zahájili s tímto filmem dlouhé kariéry.) Film zaznamenal šest nominací BAFTA po svém překvapení, že Palme vyhrál v Cannes. -NA

43. “; Secrets & Lies ”; (1996)

„Tajemství a lži“

Mike Leigh je spletité rodinné drama klasické hvězdy Marianne Jean-Baptiste jako mladá černá optometristka, která se po smrti svých adoptivních rodičů rozhodne vystopovat svou biologickou matku, kterou objevuje, jako bílou ženu (Brenda Blethyn). Chaos, který je rodinným životem matky, poskytuje dramatické krmivo. Jako u každé práce Mike Leigh, je herecký výkon prvotřídní, a to z velké části díky filmařovým metodám - během několika zdlouhavých zkušebních období dílnu scenáristicky upravil s obsazením, které trvalo měsíce. Výsledky zahrnují některá velmi uvěřitelná představení, protože herci pomohli vytvořit postavy. A nevšední fotografie kameramana Dicka Popeho podtrhuje estetiku dokumentárního dramatu filmu. Marianne Jean-Baptiste obdržela nominaci na Oscara za nejlepší herečku ve vedlejší roli, díky čemuž byla první černou britskou herečkou nominována na Oscara. -NA

42. “; Muž a žena ”; (1966)

Režisérka Claude Lelouch přichází s touto klasikou z roku 1966 - něžným, vizuálně působivým filmem omlazující lásky mezi vdovou a vdovcem: řidič závodních aut (Jean-Louis Trinignant) a dívka filmového skriptu (Anouk Aimee) sdílejí upřímnou romantiku, zatímco vyvažuje požadavky kariéry a rodičovství. Je to dojemný, realistický pohled na rozvíjející se dospělou romantiku, kdy každý účastník je zatížen minulou tragédií a způsobuje, že postupují jemně. Film je také slavný nádherným, podrážděným skóre Francisa Laiho. Vítěz Oscaru za nejlepší film v cizím jazyce a za nejlepší originální scénář, je to pravděpodobně jeden z nejsladších milostných příběhů, jaké kdy byly na obrazovce zachyceny. V roce 1986 vyšlo podřadné pokračování „Muž a žena: 20 let později“ a Lelouch plánuje dokončit to, co bude skutečně trilogie, s třetím filmem, který měl premiéru v Cannes 2019. -NA

41. Dlouhá nepřítomnost ”; (1961)

Poněkud ironicky vzhledem k dopadu hnutí ve Francii, žádný francouzský režisér nové vlny nikdy nevyhrál Palme d'or. Přestože hnutí bylo na svém vrcholu v roce 1961, debutový film Henri Colpi, také francouzské, získal cenu (s Bunuelovou „Viridiana“), jejíž film nebyl součástí hnutí. Colpi byl redaktorem (přestřihl Resnaisovu „Hirošimu, mon amour,“ a občas pokračoval v řemesle po zbytek své kariéry). Přes toto počáteční vítězství on a tento film zůstávají málo známí, alespoň mimo Francii. Dnes je to jako francouzský film, který Truffaut slavně vypověděl v roce 1954, jako by byl film více z filmu „Tradice kvality“. Alida Valli provozovala pouze příměstské pařížské bistro, protože její manžel se nevrátil z válečného zajateckého tábora z 2. světové války. Objeví se amnesiánský tramp, který se mu podobá, s jeho skutečnou identitou nejasnou. Snímek připomíná francouzská dramata ze 30. a 40. let, od režisérů jako Carne, Pagnol, Duvivier a dalších, kteří představovali konvenčnější řemesla a vyprávění a méně osobní styl. (Příznivá recenze časopisu New York Times od Bosleyho Crowthera začíná tím, že se chválí, že se liší od nedávných francouzských filmů.) Oddělený od svého kontextu, je to příběh zahrnující spoustu příjemných okamžiků, které lze ušetřit. —TB

40. “; strom dřevěných dřeváků ”; (1978)

“; Strom dřevěných dřeváků ”; je triumfem naturalismu jako v kinematografii téměř nic jiného a cítí se jako konečný stav italského neorealismu - že po epizodě Ermanna Olmiho už prostě není možné jít do podoby. Olmi vypráví tento tříhodinový příběh čtyř rodin žijících a pracujících na masivní komunální farmě v italském Bergamu na přelomu 20. a 20. století. Je to oživeno výhradně místními neherci, kteří hovoří v Bergamasque dialekt. Většina filmu je pouhými vinětami farmářského života: postavy zpívající při házení kukuřice, navštěvující mši, vypořádání se s spadem odeslání syna do školy místo toho, aby ho nechal pracovat, procházení komplikovaným procesem porážky prasete (zvířata byla poškozena v natáčení tohoto filmu). Není divu, že je to jeden z nejoblíbenějších filmů Mika Leigha a na Criterion Blu-Ray of the Tree of Wooden Clogs ”; Představuje si, jak moc se přidává tím, že neherci znají farmářský život a dělají věci, se kterými jsou obeznámeni. (Leigh vtipy o tom, jak hloupě by byla myšlenka naučit se zabíjet prasátko ve městě.) Život zemědělských dělníků je v kontrastu s životem bohatých vlastníků půdy, kterým věnují velkou část své práce v druh moderního feudalismu. Olmi najde v jejich záchodě milost a nastaví scény své práce Bachovi, zatímco majitelé půdy ’; děti si na svém klavichordu hrají nabílené mozartské ronda. Mluvte o tom, jak dostat politický prostřednictvím podtext. —CB

39. “; All That Jazz ”; (1980)

'All That Jazz'

Jak smutné, že F / X zmařil životní příběh Boba Fossee v minisérii, když to sám před téměř 40 lety tak elegantně rozložil. Jeden z velkých originálních muzikálových muzikálů, které máme rádi jen zřídka, odráží film „8 1/2“ Federica Felliniho ve svém volně autobiografickém, lehce fantastickém příběhu egomanského umělce a žen, které ho obíhají. Ve filmu je horečně charismatická představení od Roya Scheidera jako Fosseho stand-in Joe Gideona, stejně jako střídání z legend podle jejich vlastních práv Jessica Lange a Ann Reinking. Fosseův pozoruhodný styl a výrazná choreografie vždy vypadaly skvěle na filmu, ale skutečnost, že napsal (s Davidem Alanem Kingem) a režíroval tak bolestně intimní hru na smrt, není malým činem. —JD

38. M * A * S * H ​​* ”; (1970)

Stále je těžké si představit, jaké to muselo být, když sledoval nesmyslný nekonvenční film nekonvenční komedie války Roberta Altmana, zatímco země byla ponořena ve zničení Vietnamu. V částech to byla komedie černá jako dr. Strangelove, ”; ale s apolitickou absurditou, která je téměř nebezpečnější. Epizodický film byl plný komediálních sekvencí, jako když se postava, bezbolestná, rozhodne spáchat sebevraždu kvůli záchvatu impotence. Posádka MASH uvede poslední večeři, aby spravovala fatální pilulku - doplněnou skladbou Suicide is Painless, ”; to by se stalo tématem televizního pořadu hit-spin-off - což není nic jiného než komplikované schéma, jak ho nechat položit. Experimentální použití Roberta Altmana s dlouhými pořady nabitými postavami, které jsou všichni jednotlivě mikrofonní a provádějí různé konverzace, se pro komedii ve studiu uvolnilo jako radikální odchod. Překvapení Palme d ’; Nebo vítěz by se stal ještě větším překvapením a kulturním fenoménem. CO

37. Elephant ”; (2003)

'Slon'

Jeden z nejstrašidelnějších filmů, který vyhrál Palme d'Or, je slon Guse Van Santa inspirován masakrem Columbine High School, aby vytvořil portrét Ameriky, která se vydává na cestu k tragédii. Van Santův scénář sestává z minimálního dialogu, s herci improvizující velkou část jejich chodebného žertování. Tento efekt dává „Elephantovi“ pocit dokumentu, s Harrisem Savidesem a rsquo; klouzavá kamera vytváří úroveň nesmyslnosti, která zvyšuje klaustrofobní intenzitu až po zahájení střelby. „Slon“, který v roce 2003 vzal domů Palme d´Or, je neúprosným příběhem americké tragédie, kterou většina Američanů nechce akceptovat, takže není divu, že film sotva udělal podobný dopad jako stát v Cannes. polyoxyethylen mastné

36. Chybí ”; (1982)

Na chvíli tam nikdo nevyvíjel politické thrillery jako ti z Costa-Gavras. Poté, co získal cenu poroty za „Z“ z roku 1969, se o 13 let později vrátil se zprávou „Chybí“, aby získal velkou. V jednom ze svých nejlepších (a nejméně vtipných) představení hraje Jack Lemmon Edmunda Hormana, jehož syn Charles byl zmizen (přečten: zavražděn) během chilského převratu v roce 1973. K Lemmonovi se připojuje Sissy Spacek jako Hormanova tchýně, přičemž film nabírá stále beznadějnější, téměř klaustrofobní náladu, čím déle to trvá. To je částečně díky charakteristicky hustému skóre od Vangelisů, že nehovoří nic o skutečném příběhu, na kterém je založeno „Chybějící“, a Costa-Gavras odsuzuje každého, kdo je účastníkem této travesty, aniž by je kdykoli zmiňoval jménem. Za své úsilí získal nejen Palme d´Or, ale sdílel cenu Akademie za scénář filmu se spoluautorem Donaldem E. Stewartem; film byl v Chile zakázán, přestože byl slaven jinde. —MN

35. The Piano ”; (1993)

'Piano'

Jan Chapman Prods / Miramax / Kobal / REX / Shutterstock

Při debutu Cannes Palais v tiskové projekci romantického dramatu Jane Campion z 50. let 20. století kritici plakali nad příběhem osamělé, nešťastně provdané němé pianistky (Oscar-vítěz Holly Hunter), která upřednostňuje drsný, ale něžný novozélandský průkopník (Harvey Keitel) před jejím tichým chodem. manžel (Sam Neill). O dvacet tři roky později, když byla osamocená jako jediná ředitelka v moři mužských vítězů Palme d'Or, se Campion na oslavu 70. výročí Cannes rozveselil. Žádná jiná žena si nevzala tuto cenu domů. A Campion je jednou z pěti žen, které mají být nominovány za nejlepší režisérku Oscara; Ona vzala domů vyhrát (pro původní scénář) spolu s Hunterem pro její emocionální tiché představení a Anna Paquin jako její ostražitá mladá dcera. Tento nenapodobitelný a intimní film vydrží v čase a dodá emotivní úder. -NA

34. “; Pokud … ”; (1969)

Rok poté, co byl Cannes kvůli studentským protestům zrušen, bylo přirozené, že Palme d ’; Nebo by měl být udělen film o krvavém povstání na půdě kampusu. Zběsilé drama, které se odvážilo zvážit vzestup revolučního násilí (a končí spravedlivě odůvodněným školním natáčením, ve kterém studenti začínají střílet na své rodiče a učitele), se nazývá film „ldquo; If …, ”; jako v “; pokud … kdokoli to dnes udělal, zničilo by to kariéru doslova každé zúčastněné osoby. ”;

nejlepší cizí věci postavy

Ale Lindsay Andersonová se nikdy nebála poslat varovný výstřel přes úklonu britské zakládací kultury a nebyla to ani hvězda Malcolm McDowell, jejíž výkon jako šestý nekonformní Mick Travis - postava, kterou by v prise Lucky Man opakoval; ! ”; a Britannia Hospital - slouží jako celovečerní konkurz na roli, kterou by měl hrát v “; Orange Clock ”; o tři roky později. V roce v Cannes, který také obsahoval „Easy Rider ”; a “; Z, ”; “; Pokud … ”; byl daleko od jediného filmu, který ve stavu quo vrhl granát, ale Andersonova vize je tak nespojitá a zápalná, že stojí stranou. Je vzácné, že film představuje přímou hrozbu z jedné generace na druhou, a pokud se objeví; rezonuje jako neotřesitelná památka z doby, kdy se pop art nebál postavit přímý útok na síly, které jsou. —DE

33. “; Věčnost a den ”; (1998)

Řecký autor Theo Angelopoulos už dlouho čekal na Palme d ’; Nebo předtím, než zvítězil v roce 1998, se objevil vítězný z poněkud úbohé soutěže, která byla zvýrazněna laskavými postavami The Hole, ”; “; idioti, ”; a “; sametový zlatý důl ”; (bohužel, Roland Emmerichův rituál Godzilla promítán mimo soutěž). Pokud však věčnost a den ”; není úplně stejná jako dřívější mistrovská díla, jako jsou The Traveling Players ”; a “; pozastavený krok čápa, ”; Angelopoulos ’; poetická meditace o smrti a smyslu je stále dojemným dílem neobvykle promyšleného filmového umělce; elegantní, meandrující procházka mlhou paměti, která prochází některými z nejnáročnějších snímků režiséra před přistáním na závěrečný výstřel, který rozděluje rozdíl mezi hlubokou pravdou a nesmyslem sacharidů.

Pozdní, velký Bruno Ganz (v řečtině přezdívaný) hraje umírajícího thessalonikského spisovatele jménem Alexandros, jehož poslední dny se náhle odbočí, když se smíchá s mladým albánským chlapcem, který je obchodován přes zemi. Tento pramen spletení je svázán spolu s toužebnými nářky starého muže, který se snaží měřit svůj vlastní život, a celá věc chvíli trvá, než se vydá na konec (ukáže se, že věčnost a den je hezká) dlouho). Pokud tempo somnambulantů a duchovní vzkvétá vzpomenout na poslední díla Andreje Tarkovského, morální imperativ zápletky filmu rdquo; riffy na Akirě Kurosawě, Ikiru a rdquo; další příběh o někom, kdo hledá účel, když zamíchá tuto smrtelnou cívku. Ale jako každý skvělý film na toto téma, Angelopoulos ’; vítěz vás nechá hledat své vlastní. —DE

32. Strom života ”; (2011)

'Strom života'

Světelná vizuální báseň. Terrence Malickovo dílo vždy zahrnuje prvek spirituality, spolu s vědomím, že lidská existence je ve velkém rozpětí vesmíru určitým soumrakem. Je to téma, které je v tomto filmu ostře prozkoumáno - včetně výřezů do scén zahrnujících stvoření vesmíru -, ale nejlépe se projevuje v pomíjivých okamžicích Malickových stádiích a najde, zatímco kameraman Emmanuel Lubezki pronásleduje světlo, aby vytvořil portrét rodina v nekonečném boji mezi životem a smrtí, světlem a temnotou, ničením a milostí. „Strom života“ představuje kosmickou vizi života, vesmíru a všeho: Jen málo filmařů by mělo tu žaluštinu odříznutou od dinosaurů a velkého třesku do života malého města Texasu. Ale tato nekompromisní vize je to, co dělá „Strom života“ takovým neotřesitelným zážitkem. Někteří kritici film v Cannes naštvali, ale to nezastavilo porotu v udělení nejvyšší cti. CO

31. “; Road ”; (1982)

Není to dokonalý film, ale pokud na tomto seznamu existuje nějaký, který by si zasloužil lepší vidění, Yllmaz Güney je Yol. ”; Příběh jeho výroby stojí za to sám. Güney byl politickým disidentem, který během šedesátých let pomáhal zviditelňovat turecké kino jako žádný tvůrce před ním - jeho 1970 film Umut ”; (“; Hope ”;) dokonce získal uznání od Elia Kazan. Po většinu sedmdesátých let byl ale uvězněn, nejprve poté, co byl obviněn ze zadržování studentských radikálů a poté za údajné zastřelení a zabití státního zástupce. Po celou dobu věznění pokračoval v psaní scénářů a nechal jeho spolupracovníka Serifa Gorena dělat skutečnou režii. V roce 1981 uprchl z vězení a uprchl do vyhnanství v Paříži - opět nechal Gorena vykonat práci režírování Yol. ”; Tento film je příběhem triptych tří vězňů v Turecku vypuštěných na týdenní dálku. Jeden příběh následuje shledání odsouzeného s jeho manželkou - byl uvězněn za zloděj, který vedl k smrti jejího bratra, a její rodina ho chce nyní mrtvé, aby to umožnil. Další se zaměřuje na kurdského odsouzeného, ​​který cestuje zpět do své rodiny a vidí hrozný útlak, kterému čelí, v rukou turecké armády - “; Yol ”; byl v Turecku zakázán jen proto, aby zahrnul „lurd“; Kurdistán a rdquo; jako název umístění na obrazovce. A poslední a nejmocnější je o třetím vězně, který po propuštění z vězení čelí jeho rodině skutečnosti, že jeho manželka se dopustila cizoložství, když byl zavřený: vyžadují, aby se s ní vrátila zpět do své předkové vesnice spáchat zabíjení cti ”; z ní. Nechce, ale má pocit, že nemá jinou možnost. To, co se stane, je nezapomenutelné. —CB

30. “; Tanečník ve tmě ”; (2000)

'Tanečník ve tmě'

Provokativní drama-hudební hvězdy režiséra Larse von Trier z roku 1964 Björk jako Selma, česká imigrantka, která pracuje ve venkovské továrně ve státě Washington, a je svobodnou matkou, která ztrácí zrak z dědičné nemoci. Aby Selma chránila svého desetiletého syna před stejným osudem, Selma pilně šetří své výdělky, aby zaplatila za nezbytnou operaci. V noci uteče do světa, kde se nikdy neděje nic strašného, ​​”; nacvičování inscenace „Zvuk hudby“ s nejlepší kamarádkou Kathy (Catherine Deneuve). Když ale soused (David Morse) zradí její důvěru, Selmaův život se rozmotá a hranice mezi realitou a fantazií se rozostří. Peter Stormare a Joel Gray také hrají v této originální tragické pohádce. Je to třetí film v von Trierově „trilogii zlatého srdce“; “Breaking the Waves” (1996) a “The Idiots” (1998) jsou další dva. Skladba „Já jsem viděl vše“ ze skóre - vydaná jako album „Selmasongs“ a napsaná hlavně Björkem - byla nominována na cenu Akademie za nejlepší originální píseň. -NA

29. “; zimní spánek ”; (2014)

Nuri Bilge Ceylan představuje se svou cenou Palme d'Or za „Winter Sleep“ v Cannes v roce 2014

Thibault Camus / AP / REX / Shutterstock

Zdá se, že někteří vítězi Palme nevycházejí z ničeho, zatímco jiným předchází dotyčný autor, který si po cestě vybere menší ceny. Nuri Bilge Ceylan's „Winter Sleep“ spadá do druhé kategorie - „Distant“ již vyhrál nejlepšího herce, „Three Monkeys“ nejlepšího režiséra a „Once Upon a Time in Anatolia“ vzal domů Grand Prix - ale to neznamená, že nebylo to hodné. Pomalá, nádherně zastřelená meditace o třídních nerovnostech v Turecku i mimo něj má pocit bajky, aniž by byla zjevně v jeho moralizování. Ceylanovo kino může být získanou chutí, ale je to také hluboce uspokojující. —MN

28. “; Pod sluncem Satana ”; (1987)

Pokud jste nikdy neviděli adaptaci románu Maurice Pialata od Georgesa Bernanose, vaše první otázka je pravděpodobně, zda to odpovídá tomuto názvu. Odpověď je důrazná ano: Gérard Depardieu v jednom ze svých nejlepších výkonů hraje oddaného kněze, jehož hloupost s mladou vražedkou může být ve skutečnosti satanským pokušením. Jeho Palme d'Or, první francouzský film za 20 let, byl považován za takovou událost, že tehdejší prezident François Mitterrand napsal Pialatovi blahopřání, ve kterém řekl, že film „ukazuje vitalitu, která může a měla by charakterizovat Francouzské kino. “Pokud znáte Depardieua pouze pro jeho novější antiku, nechte„ Pod sluncem Satana “úplně přepracovat své vnímání - a možná i samotný koncept Boží milosti. —MN

27. “; Man of Iron ”; (1981)

Nejblíže k pokračování mezi vítězi Palme, „Man of Iron“, následoval „Man of Marble“ režiséra Andrzeje Wajdy v prostředí loděnice v Gdaňsku a jeho hlavní postava, syn hrdiny předchozího filmu. Wajda je právem oslavován za svou trilógii filmů z druhé světové války natočených v 50. letech („generace“, „Kanal“ a „popel a diamanty“). Vzestup hnutí Solidarita ho díky nim přivedl zpět na mezinárodní uznání. dva filmy po čtyřech letech. „Železo“ bylo jejich více protivládou, s ideologickým rozmrazováním, které během natáčení rostlo a umožňovalo jeho propuštění, i když bylo krátce poté zakázáno. Jeho bezprostřednost je jeho největším přínosem, ale její ochota vylíčit současné události rychlými kompromisy ve srovnání s nadčasovostí dřívějších historiků Wajdy. Vítězství v Cannes bylo částečně vnímáno jako podpora Solidarity. —TB

26. “; podzemní ”; (1995)

Vizuální vynalézavost a frenetická stimulace režiséra Emira Kusturici - která se často cítí jako Fellini na adderallu, doprovázená drsným balkánským dechovým orchestrem - tentokrát sahá až do problematické historie jeho milované Jugoslávie, která byla v delším období rozpadu. “; podzemní ”; je ambiciózní tříhodinová fraška (v televizi byla pěthodinová verze) o tom, co se děje duši země a jejím lidem žijícím v neustálém válečném stavu po dobu 50 let. Zkroucení zápletky je stejně absurdní, jako znepokojující: Marko, stoupající vůdce komunistické strany, udržuje své přátele ve sklepě, protože je přesvědčen, že gestapo stále chodí do patnácti let po skončení války. Ale nic nemůže zabránit Kusturičině bouřlivým postavám v pití, boji a kurva. CO

25. “; Chuť Cherry ”; (1997)

Vítěz soutěže Palme d'Or v Cannes 1997, „Taste of Cherry“ od Abbase Kiarostami je jedním z nejrozšířenějších vítězů festivalu. Roger Ebert film skvěle nenáviděl a označoval jej za „nesnesitelně nudný“, ale něco o Kiarostamiho trpělivosti a průřezu mezi blízkými a rozsáhlými záběry krajiny vytváří nepopiratelné kouzlo nad divákem. Film hraje Homayouna Ershadiho jako muže projíždějícího Teheránem, který hledá někoho, kdo by souhlasil s jeho pohřbením pod třešní poté, co se dopustí sebevraždy. Tento přístup umístí Kiarostamiho hlavní postavu pod mikroskopickou čočku, zatímco divák analyzuje jeho pohyby za odpověď. Čím více se muž soustředí, tím více „Chuť třešně“ zve k filmovým hráčům do bludiště sebereflexe Kiarostami. polyoxyethylen mastné

24. “; Balada Narayamy ”; (1983)

Režisér Shōhei Imamura byl vždy podceňován, s pozoruhodnou výjimkou Cannes, kde dva z jeho pozdních kariérových drahokamů vyhráli Palme. K dřívějším filmům Imamury bylo často filmové nadšení a hravost, ale v tomto příběhu 19. století se japonská praxe známá jako ubasut - starší rodič přenáší na horu a nechává zemřít ve věku 70 let - vykazuje ohromné ​​zdrženlivost. Kamera a vyprávění příběhů umožňují jemnost představení proti kráse venkovské krajiny. Sumiko Sakamoto dává pozoruhodně podhodnocené představení jako žena, která vyjímá její osud, ale musí najít svého nejstaršího syna jako manželku, než ji vezme na horu. —CB

23. “; Sex, Lies a Videotape ”; (1989)

Režisér U.S Steven Soderbergh, vlevo, drží Zlatou dlaň, kterou získal za svůj film „Sex, lži a videokazety“ na 42. mezinárodním filmovém festivalu v francouzském Cannes. Vedle něj je herečka Jane Fonda
Filmový festival v Cannes, Cannes, Francie

Gilbert Tourte / AP / REX / Shutterstock

Pozoruhodný debutový film od Stevena Soderbergha, který se s tématy filmu sexualita a posedlost zabývá rezistentním humorem a smyslností. Erotická dramatika hraje Jamese Spadera jako Grahama, dávno ztraceného vysokoškoláka, který se vrací zpět do města a do životů Johna (Peter Gallagher), samostatně zapojeného playboy, jeho svaté manželky Ann (Andie MacDowell) a její drzé sestry Cynthia (Laura San Giacomo). Každý z nich je postupně vtažen do Grahamovy sítě sexu, lží a videokazet a je ponechán transformovaný. Spader získal cenu Best Actor na filmovém festivalu v Cannes za mimořádně subtilní a provokativní představení v dobře provedeném filmu s napínavými výkony napříč deskou. Soderbergh byl za svůj scénář nominován na Oscara. -NA

22. Jeřáby létají ”; (1958)

První tři pocty Palme d ’; Nebo byli jakýmkoli opatřením nezpochybnitelní: “; Marty, ”; dokument Jacques Cousteau The Silent World, ”; a přátelské přesvědčování. ”; Ale čtvrtý Palme d ’; Nebo vítěz je elektrický a zaslouží si, aby byl mezi cinefily dnes mnohem lépe známý: “; The Cranes are Flying ”; je závratně subjektivní studie o životě sovětských civilistů, kteří během druhé světové války trpěli ničením a deprivací ve městech. V jednom okamžiku je znásilnění vedoucí ženské postavy předsazenou ponorkou postaveno vedle německého leteckého útoku, což je expresivní výběr tváří v tvář osobnímu terorismu s terorismem padajících bomb, který podtrhuje přetrvávající psychologické jizvy, které pocházejí z oba. Jedná se o hluboce empatický film, ve kterém se emoce nikdy neztratí v tom, co jsou některé z nejkrásnějších černobílých obrazů, jaké kdy byly na obrazovce, s laskavým svolením sovětského režiséra Michaile Kalatozova a jeho kameramana Sergeje Urusevského. Opakovali by dlouhé sledovací pohyby, komplikované naturalistické blokování, nizozemské úhly a extrémní vysoce kontrastní světelné efekty filmu „The Cranes are Flying ”; ve dvou stejně ohromujících, pokud méně emocionálně splňujících následných opatřeních, příběh o přežití na divočině „Letter Never Sent ”; a revoluční potboiler I Am Cuba. ”; —CB

21. Black Orpheus ”; (1959)

Marcel Camus ’; Živá klasika z roku 1959 (také vítězka Ceny Akademie za nejlepší cizojazyčný film z roku 1960) je volně založena na pozadí řecké mytologie Orpheus a Eurydice, s Rio de Janeiro v Brazílii. Orpheu (Breno Mello) se zamiluje do Eurydice (Marpessa Dawn) a dvojice musí jít na útěku od hitmana oblečeného jako Death (Ademar Da Silva) a Orfeuovy pomstychtivé snoubenky Mira (Lourdes de Oliveira) v této magické realistické tragédii. Ve filmu je samba hudební partitura Luiz Bonfa a Antonio Carlos Jobim. Jeho pozoruhodný soundtrack je připočítán s tím, že Bossa Nova uvede do zbytku světa jednou rukou. Je to svěží, barevný, atmosférický a nakažlivý pohled na kultovní bajku. -NA

20. “; The Go-Between ”; (1971)

„The Go-Between“ je jeden z velkých paměťových filmů režiséra Josepha Loseyho a scenáristy Harolda Pintera, upraveného z populárního románu L.P. Hartleye a obsahujícího nezapomenutelnou úvodní linii: „Minulost je cizí země; dělají tam věci jinak. “Film, který se odehrává v roce 1900 v ohnivém srpnu na venkovském statku v Norfolku, zastavuje časem sem a tam v čase, 50 let, vypráví poutavý příběh o korupci nevinnosti, lásky, a krása. Sladký a nápaditý Lev (Dominic Guard) tráví letní prázdniny s přítelem internátní školy Marcusem (Richardem Gibsonem), hraje hry a kouzla kouzel a snaží se zapadnout nad svou třídu. Potom Leo spadne pod kouzlo krásné Marcusovy starší sestry Marian (Julie Christie), která ho láká, aby byl jejím soukromým poslem, a předával dopisy sem a tam se svým tajným milencem, nájemným farmářem, Tedem (Alan Bates). Ale to, co začíná jako romantická hra, se stává kletbou pro Leo (s verzí pro dospělé, kterou hraje Michael Redgrave). Střelil Gerry Fisher se smyslem pro bohatství a úpadek a je přerušen strašlivým skóre Michel Legrand (s soubojovými klavíry). „The Go-Between“ vydrží jako hořké hodnocení 20. století. -bd

19. “; Barton Fink ”; (1991)

'Barton Fink'

Hysterická hollywoodská satirová hvězda 40. let hraje hvězdu Johna Turturra Johna Turturra v dramatu Broadwaye, který se neochotně přesídlí do Hollywoodu jako scenárista. Fink byl pověřen psáním nízkorozpočtového skriptu o wrestlingu, vyvíjí seriózní spisovatelský blok ... a začnou se objevovat divné věci. Když se Bartonův život ještě více vymkl kontrole, hodiny se tikají a tlak stoupá. Turturro vede solidní obsazení, které také zahrnuje John Goodman, Judy Davis, Michael Lerner, John Mahoney, Tony Shalhoub, Jon Polito a Steve Buscemi. Evokativní skóre Carter Burwellové a skvělá kinematografie Rogera Deakinsa doplňují neskutečný smysl toho, jak se Hollywoodský věk uzavírá. Film získal tři nominace na Oscara, včetně nejlepšího vedlejšího herce pro Lernera. Turturro a Joel Coen získali v Cannes ocenění Best Herec a Best Director, kromě vítězství v Palme. -NA

18. Pianista ”; (2002)

'Klavírista'

Jeden z největších - možná největších - filmů o holocaustu, jaký kdy vznikl. Koneckonců, kolik filmařů talentu Romana Polanského přežili sami holocaustu? Přestože zůstává pro mnoho lidí v Hollywoodu polarizační postavou, emoce a lidstvo v „Pianistovi“ stačily k tomu, aby pozastavily rozsudek Polanského, ne-li morálně, alespoň umělecky. Jak je vhodné, aby film byl meditací o povaze a měně umění a umělců v morálně zkažené společnosti. Ale to nebylo jen Polanského úsilí, které z filmu udělalo tak úžasného; „Pianista“ představil monumentální talent budoucího vítěze Oscara Adriena Brodyho - významná postava poskytla kariérní výkon jako polsko-židovský hudebník Władysław Szpilman. Když byl Polanskiho jméno vyhlášen nejlepším ředitelem na Oscarach 2002, dostal v nepřítomnosti stálé ovace. Taková je síla „pianisty“. —JD

je milostná ulice na netflixu

17. “; Love ”; (2012)

Michael Haneke dává poznámky Emmanuelle Rivě a Jean-Louis Trintignantovi
na souboru „Amour“ (2012)

Wega Film / Kobal / REX / Shutterstock

Rakouský autor Michael Haneke vždy znal svou cestu kolem tragédie, ale v roce 2012 vítězem Palme se otevřel ještě více prostoru v jeho konkrétní značce krásné, tvrdě bušící bídy. Správně se nazývala romantická tragédie a rdquo; film zachytí, když už je polovina filmového centrálního páru mrtvá, pak pracuje zpětně, aby nám pochopila, proč k tomu došlo (a proč tento konec nemusí být totální tragédií). Toplined bonafide filmové legendy Jean-Louis Trintignant a Emmanuelle Riva (s Haneke pravidelnou Isabelle Huppertovou jako jejich dospělou dcerou), “; Amour ”; je milostný příběh s vlastními charakteristickými rytmy a začíná, když se kola rozpadnou, květ je z růže a veškerý lesk je pryč. Co tedy zbylo? Haneke a jeho hvězdy pracují na nevyhnutelném, srdcervoucím konci (a dobře také na začátku) a snaží se mu dát všechny odstíny, které může mít desetiletí jednota. Bodnutí je hluboké, ale také to, které si vydělal a čestný, tragédie se stala strašně osobní. —KE

16. “; Blowup ”; (1967)

Tajemný thriller Michelangela Antonioniho „Blowup“ získal v roce 1967 na 20. filmovém festivalu v Cannes nejvyšší ocenění a pokračoval v inspiraci klasiků, jako je „Konverzace“ Coppola a „Blow Out“ De Palmy. David Hemmings hraje jako londýnský módní fotograf, který může nebo nemusí zachytit vraždu ve filmu, odpověď na kterou vede k temné posedlosti. Antonioniho směr se vykopává pod povrchem protikulturního nastavení filmu a vizuálního vkusu, aby vytvořil prohlášení o vztahu umělce k umění a odlivům a tokům spokojenosti a izolace, které s ním přicházejí. Konečným výsledkem je jedno z velkých meditací v kině, ale maskované jako thriller záhadné vraždy. polyoxyethylen mastné

15. “; strýčku Boonmee, který si dokáže připomenout své minulé životy ”; (2010)

'Strýček Boonmee, který si dokáže vzpomenout na své minulé životy'

Vystavte A, pokud jde o důvody, proč být nadšený a stále věřit v kino v 21. století ”; je Apichatpong Weerasethakul. Jeho filmy nejsou jen obalem prostředí, ale jsou radikálně empatickým avantgardním komfortním jídlem: můžete udělat horší, než kdybyste jednu ze svých domácích televizních obrazovek věnovali hraní filmografie Weerasethakul na smyčce. Opravdu některý z jeho filmů je Palme d'Rsquo; Nebo hoden a je těžké pochopit, proč je strýček Boonmee ”; je více než “; Tropical Malady ”; nebo „Syndromy a století“; nebo „hřbitov nádhery“ strýček Boonmee ”; určitě nese mnoho charakteristických znaků těchto ostatních - zvukový design tak pohlcující, že se zdá, že probouzí vaše smysly, zobrazení lékařského ošetření, míchání hyperrealismu a surrealismu, odhodlané úsilí stimulovat aktivitu delta a theta vln v mozku. Tato poslední část není vtip: Věříme, že filmový film je podobný stavu spánku a snění, Weerasethakul ve skutečnosti experimentoval s divadelními zážitky na roadshow, v nichž lidé leželi v postýlkách, zatímco sledují jeden z jeho filmů a jsou povzbuzováni, aby šli spát. “; strýčku Boonmee ”; může být ten, který se nejvíce cítí jako bezpečnostní přikrývka, ve vyobrazení stárnoucího muže se selháním ledvin, který je obnoven duchem svých ztracených milovaných. Dokonce i odhodená linie, když mluví o své dialýze a říká: „To je karma, protože jsem zabil příliš mnoho komunistů a hellip; a tolik chyb kolem farmy ”; nemůže mu snížit vaši skutečnou náklonnost k němu. Život je plný hrůz. Zde jsou filmy, které zlepšují život. —CB

14. “; Paříž, Texas ”; (1984)

„Paříž, Texas“

Harry Dean Stanton putoval pouští západního Texasu. Růžový svetr, jen tak fuzzy, aby zachytil cokoli kolem. Ry Cooder, který udeřil do své kytary, mezi každou notou zazněly celé životy. Celoživotní domácí videa natočená na fotoaparátu Super 8. Nastassja Kinski zírala na svůj odraz v jednosměrném zrcadle a poslouchala známý hlas na druhé straně, když jí vyprávěla příběh o těchto dvou lidech ”; jednou to věděl.

Wim Wenders ’; “; Paříž, Texas a ”; který stál nad hlavami a rameny nad ostatními filmy v soutěži v Cannes v roce 1984, je jedním z těch filmů, které se vrhají do vašeho těla z několika směrů najednou, a poté se začnou shromažďovat na dně vaší mysli jako písek v přesýpacích hodinách. Jemné a neproniknutelné zároveň, toto polomytické drama (nebo je to naprosto moderní western?) Začíná mužem, který vystoupil z minulosti, sešel s mladým synem, kterého zanechal, a poté sledoval krásnou ženu s koho kdysi žil na místě bez jazyka nebo ulic, ”; a postavil ráj, který nebyl nikdy tak silný jako vzpomínky pohřbené v jeho troskách.

Příběh neklidu, putování, soukromých démonů a sdílených snů a příslibu a zrady amerického prostoru, tento Palme-winner je jedinečnou ódou všeho, co jsme ztratili, ale nemůžeme opomenout. Je to také dokument několika významných umělců, kteří se scházejí, aby se navzájem doplňovali, od Wenders ’; transcendentním směrem k prašnému kameramanovi Robbyho Müllera, náhradnímu a poetickému scénáři L.M. Kit Carsona a Sama Sheparda, k roli, kterou se Stanton narodil, aby hrál. Žádná mapa největších filmů 20. století není kompletní s kolíkem v Paříži v Texasu. ”; —DE

13. “; Wild at Heart ”; (1990)

Tým „Wild at Heart“ v Cannes v roce 1990

Alan Davidson / Silverhub / REX / Shutterstock

Během své premiéry v roce 1990 se v Cannes zbožňoval a nadával, velmi zvrácený a vzrušující film „Wild At Heart“ je zatím jediným úspěchem společnosti Palme d'Or v kariéře Davida Lynche. Scénář spáruje přehnanou Nicolas Cage a chtivou Lauru Dernovou, když dva milenci unikli minulosti na zkrouceném výletu přes americkou srdcovku, otočenou do pekla. Lynch zde dokazuje mistra tónových posunů, bez námahy vyvažuje nadšenou veselost s psychosexuálními vzrušeními, které dokážou vychovat milence na útěku a mluvit s Amerikou v pádu. „Wild At Heart“ je neohrožený film v každém slova smyslu. polyoxyethylen mastné

12. “; 4 měsíce, 3 týdny a 2 dny ”; (2007)

„4 měsíce, 3 týdny a 2 dny“

Hodně se říká, že „4 měsíce, 3 týdny a 2 dny“ vyhráli Palme d'Or ve stejném roce, kdy „žádná země pro staré muže“, „zvěrokruh“, „tajné slunce“, „tiché světlo“ a „ Potápění Bell a motýl “měl premiéru v Cannes a nikdo si nestěžoval. Devastující pohled na potrat v Cristian Mungiu ve své domovské zemi oznámil rumunské nové vlně světu takovým způsobem, jaký neudělala ani „smrt pana Lăzărescu“ nebo „12:08 východně od Bukurešti“, ukazující mnoho způsobů, kterými represivní panování Nicolae Ceaușescu pokračovalo v ozvěně téměř dvě desetiletí po smrti diktátora. Jeho triumf v Cannes byl obzvláště důležitý vzhledem k jeho oscarovému úšklebku, který stále bodá o více než deset let později. —MN

11. Konverzace ”; (1974)

Gene Hackman v 'The Conversation' (1974)

Moviestore / REX / Shutterstock

Francis Ford Coppola nikdy nechtěl usnadnit život sobě. Po největším úspěchu své kariéry v kmene Kmotr a rdquo; který prolomil záznamy pokladny, získal cenu Akademie za nejlepší obraz a okamžitě se stal jedním z nejoblíbenějších filmů všech dob, mohl si jen odpočinout na vavřínech a připravovat “; kmotr II. ”; Místo toho získal další vavřín - doslovný vavřín v Palme d ’; Nebo - za jeden z nejnáročnějších filmových úspěchů své kariéry a vzrušující prostředek vyzývání americké kinematografie k vyzkoušení nových věcí. “; Konverzace ”; je vědomě hluboký ponor do obsedantního hledání smyslu, který ztělesňuje soukromý detektiv jménem Harry Caul (Gene Hackman), který si myslí, že bohatý podnikatel (Harrison Ford) plánuje vraždu své ženy (Cindy Williams) a jejího milence kvůli útržku jejich rozhovoru zaznamenal: “; zabil by nás, kdyby měl šanci. ”; Co ale tato jediná věta ve skutečnosti znamená? A jak by se tento význam změnil v závislosti na intonaci a kontextu? Přemýšlejte o 'Blow-Up' a rdquo; ale vykreslen jako neúprosný portrét osamělosti: to je jeden z nejodlehlejších, nepoznatelnějších postav Hackmana. Popeye Doyle vypadá ve srovnání s Harrym Caulem teplá a nejasná. —CB

10. “; Obchodníci ”; (2018)

'Zlodějci'

Nejde jen o to, že sedět v převážně příjemném, občas srdcervoucím dvouhodinovém běhu „Shoplifters“ se cítí jako součást rodiny, která je pro většinu lidí zcela cizí, ale díky vřelosti postav a intimitě Filmy Hirokazu Kore-edy se cítíte jako doma. Vítěz z Kore-edy, podmanivý od prvního snímku po poslední, odborně splétá pohybující se rodinné drama a potom lstivě táhne od sebe vlákna, dokud koberec není jen vytáhnut zpod - je úplně rozpadlý. Každá dospělá postava obsahuje uzly rozporů, jejich kouzlo je činí nekonečně přesvědčivými i poté, co jsou odhaleny jejich nepřátelské pravdy. Účinkující, děti i dospělí, se navzájem spíš podobají divadelnímu souboru než filmovému obsazení a jejich přirozená lehkost a chemie je základem výstředního příběhu. Stejně jako jeho postavy, i „Shoplifters“ je velký film - svým rozsahem, ambicemi a srdcem - který vyniká vykreslením nepopsatelných malých okamžiků, jak dokáže jen skvělé umění. —JD

9. 'Otec Mistr'; (1977)

Mohl to být další příběh o strašném dětství mladého člověka a jeho triumfální transcendenci v rané dospělosti: Padre Padrone ”; je založen na příběhu slavného lingvisty Gavina Leddy, který vyrůstal jako pastýř na Sardinii, a na strašném zacházení, které vydrží po ruce svého tyranského otce - Ledda byl dokonce negramotný až do téměř 20 let, než se vydal na světově proslulý akademická kariéra. Ale v rukou Paola a Vittoria Tavianiho se tento příběh stává něčím mnohem více: daleko od pouhého pocitu v bída, Padre Padrone ”; se stává jedním z nejrealističtějších a nejpozoruhodnějších filmových příběhů, které kdy byly natočeny - v jednom okamžiku jeden z koz, který mladý Gavino neustále zkouší dojit, oslovuje Gavina přímo hlasovým vyprávěním. Ano, koza je vypravěč - jeden z mnoha v tomto prizmatickém příběhu, který od začátku získává meta a nakonec se o povaze vyprávění vypráví stejně jako cokoli jiného. Rané scény mladého Gavina, který byl právě vytažen ze školy, a při delším pobytu se stádem jeho otce mají pocit, že by mohly být umístěny na jiné planetě. Je to jedna z nejodjasnějších vizí Jodorowského, která kdy přišla od někoho jiného než Jodorowského. —CB

8. “; deštníky z Cherbourgu ”; (1964)

'Deštníky z Cherbourgu'

Jeden z nejlepších a nejvlivnějších muzikálů, který kdy byl natočen, Jacques Demy se v Cannes nespokojil jen s úspěchem - získal také pět nominací na Oscara, z nichž tři byly za jeho hudbu. Degrand a ctěný skladatel Michel Legrand sestavil třídílný gobelín pro postavy Catherine Deneuve a Nino Castelnuovo, aby zpívali svou cestu, a přestože „Budu čekat na tebe“, zůstane nejznámější písní, sotva je to ucho. Romantické drama pro věky „Deštníky v Cherbourgu“ má také vzácné rozlišení, že je stejně vizuální, jako hudební. —MN

7. “; Pulp Fiction ”; (1994)

„Pulp Fiction“

Miramax

Lo o mnoho let později, dokonce i ty nejnáročnější fanoušci Quentina Tarantina nemohou argumentovat tím, že by jeho nejlepšího filmu nazvali jeho vítěze Palme. K lepšímu nebo horšímu je na tomto seznamu jen málo filmů, které jsou kulturně relevantní jako „Pulp Fiction“ - ozvěny „Zedova mrtvého, děťátko“ a tato slavná taneční scéna se natrvalo roztrhne napříč popkulturou. „Pulp Fiction“, vytvořený mezi „Reservoir Dogs“ a „Jackie Brown“, vytvořil Tarantino jako konečného postmoderního filmaře, který dokáže proměnit závratnou poctu plnou nesčetných filmových odkazů v divoce originální bleskozvod filmu, který by navždy změnil nezávislý film. . Když přemýšlíte o tom, kolik pravidel Tarantino porušil, aby vytvořil „Pulp Fiction“, je divu, že zvítězil nad zařízením v Cannes vůbec. —JD

6. “; Kagemusha ”; (1980)

Akira Kurosawa dodal dva ze svých největších filmových úspěchů za soumraku své kariéry a oba byli druhem nákladných a ambiciózních epizod dobového díla, které mnozí filmaři tráví celý svůj život bojováním. S “; Kagemusha ”; a “; Ran, ”; Kurosawa dokázal dodat pár historických mistrovských děl o krvavé historii japonských bojujících království a vášnivých vůdců. Zahájení roku 1980 s “; Kagemusha, ”; Kurosawa vyhrál své první Palme d ’; Nebo když se mnoho filmařů mohlo smířit s čestnou celoživotní výkonovou cenou (o 10 let později vyhrál jednoho z nich, Oscara). Samotné vítězství (které bylo částečně díky super-fanouškovi Kurosawa George Lucasovi, který pomohl projektu zabezpečit podporu amerického studia), z tohoto dělalo vítěze pro věky. Ale “; Kagemusha ”; časem bohatla. V živém dramatu režiséra filmu je příběh tragického zloděje, který byl poslán pracovat jako návnada pro nemocného pána (Tatsuya Nakadai, v obou rolích), aby skryl svou nemoc; Když vůdce zemře, jeho dvojnásobek je nucen udržovat zdání, jak pro samotný klan, tak pro bojující frakce. Nakonec “; kagemusha ”; (politická návnada) se usazuje ve své iluzi moci s ničivými následky. Film se stává fascinující meditací o zoufalství vybledlých lidí, kteří bojují, aby udrželi vzhled, jak Japonsko upevnilo svou moc na bojišti. Vyvrcholení zúčtování - rozlehlé rekreace bitvy o Nagashino, kdy byly ztraceny tisíce životů - je mistrovskou třídou vyprávění: Kurosawa žongluje pohyby masivních armád v tandemu s reakcemi jediného, ​​bezradného diváka, když zápasí s hrůzy války a ideologického bodnutí porážkou. Jedná se o osobní filmový scénář a vizionářský úspěch filmaře, který své desetiletí úspěchů vtáhl do každého snímku. —EK

5. “; apokalypsa nyní ”; (1979)

'Apokalypsa nyní'

Zoetrope / United Artists / Kobal / REX / Shutterstock

'To je konec,' ozývají se ve Vietnamu Croons Jim Morrison z The Doors. Kapitán Willard (Martin Sheen), kouzelný potem, kouří v posteli a zíral na stropního fanouška, než se pustil do surrealistické plavby lodí po řece z jižního Vietnamu do Kambodže, aby našel nepoctivého plukovníka Kurtze (Marlon Brando) ). Coppola a John Milius z „Srdce temnoty“ Josepha Conrada, „Apokalypsa nyní“, se mohou pochlubit tolik ikonickými okamžiky, že je těžké si vzpomenout, že se očekávalo, že se jedná o úplnou katastrofu. 'Ráno miluji vůni napalmu,' intones surový surfer plukovník Kilgore (Robert Duvall). Vrtulníky létají ve formaci nad mořem, doprovázené Wagnerovou „Ride of Valkyries“. Po letech zpoždění na Filipínách, včetně Sheenova infarktu a sad zničených tajfuny (zaznamenaných Eleanor Coppola v „Srdce tmy: Filmařova apokalypsa“) ), Francis Ford Coppola uvedl film „Apokalypsa nyní“ jako tříhodinovou práci v Cannes, kde drsné přijetí stačilo k tomu, aby vyznavaný režisér získal jistotu, aby dokončil svůj střih, aby ho mohli United Artists uvolnit v srpnu - se státem nejmodernější prostorový zvuk - když to byl hit. (Coppola je nová „finální“ verze 4K Dolby Atmos 4K právě promítaná na filmovém festivalu Tribeca.) Film byl svázán s hlavní cenou „Cínový buben“ a porazil „Norma Rae“ a „Dny nebe“. považován za jeden z nejlepších filmů, jaké kdy byly natočeny. -NA

4. “; Viridiana ”; (1961)

Když film vyhraje Palme d'Or, je ve své domovské zemi zakázán a Vatikán ho odsoudí, musí udělat něco v pořádku. Tak tomu je v případě mistrovského díla Luise Buñuela z roku 1961, které se dnes cítí neméně odvážné, než tomu bylo před téměř 60 lety. Surrealistický mistr zde obrátil svou pozornost k noviciátovi, jehož plán přijmout své sliby je komplikován pozváním navštívit jejího strýce - muže, který ve své neteře vidí podobnost s jeho drahou odešlou manželkou. To, co následuje, je samozřejmě skandální a vyobrazené s takovým vtipem a mistrovstvím, ze kterého Buñuel udělal kariéru. Pokud jde o jeho úmysly, filmař to vyjádřil tak, jak jen dokázal: „Nepřijal jsem se úmyslně za rouhání, ale papež Jan XXIII je pak lepším soudcem takových věcí než já. —MN

3. „La Dolce Vita“ (1960)

Fellini s Palme d´Or

Wehrle / AP / REX / Shutterstock

Možná je konečný dav Cannes, Federico Felliniho magnum opus, bujným příběhem o hledání rovnoměrného sladkého života v průběhu pouhých sedmi dnů v Římě. Felliniho film nebyl jen masivní hit, ten, který zapečetil jeho místo jako jeden z největších filmových tvůrců filmu, ale film, který dal světu odvážnou módu, chytrá nová slova a slova (ahoj, paparazzi a rdquo ;!) , a některé neuvěřitelně bohaté existenciální otázky, na které se dá žvýkat. Jako novinářka celebrit Marcello Rubini, Marcello Mastroianni je a vždy bude překvapivě moderním mužem a otázky, kterým čelí, když se v Římě hýbe - rád se jen pobaví, nebo ve skutečnosti chce udělat něco smysluplného s jeho životem? - jsou nadčasové. Ale to neznamená, že to může být zábavné sledovat, a zatímco Felliniho vítěz nedělá své publikum z háčku, když přijde na přemýšlení o skutečných střevech života, dělá to s tolika styly a snap, že jste téměř (téměř!) zapomněli, co se od vás opravdu vyžaduje. —KE

2. “; Leopard ”; (1963)

„Leopard“

Pod bujnou pastí Luchina Viscontiho z roku 1963 vítěz bije srdce nejtragičtějších osobních a politických dramat. Italský epos, adaptovaný na stejnojmenný román Giuseppe Tomasi di Lampedusa, sleduje mizející dny sicilské aristokracie očima samotného (jakéhokoli) leoparda Don Fabrizia Corbery (hrál Burt Lancaster v jednom ze svých) nejlepší role, ačkoli jeho obsazení bylo v té době kontroverzní). Ve filmu jsou dvě dlouhé sekvence, které by samy o sobě mohly označit film za mistrovské dílo a korunovat úspěch pro Viscontiho: 25minutová bitevní scéna, která nepropadá hrůzou a 45minutová baletní sekvence, která zastavuje srdce vidí, jak Don Fabrizio prochází téměř každou emocí, každou myšlenkou, každým pohybem s napínavou emoční obratností. Je to film o nevyhnutelném průběhu času, ale nic o tom necítí (ani teď!) Rote ani v knize. Viscontiho první řez tlačil 205-minutovou runtime - žádné překvapení, vzhledem k těm nádherným dlouhým sekvencím - a byl zkrácen na 195 minut pro Cannes, pak 185 minut pro italské vydání, s anglicky dabovanou verzí načasování za 161 minut . Přesto je to film, který vyžaduje, aby byl viděn v plném rozsahu, protože kdo by mohl vědět lépe, že se každou minutu počítá, než sám Don Fabrizio Corbera? —KE

1. “; Taxi Driver ”; (1976)

'Řidič taxíku'

Columbia Pictures

Fellow Palme d ’; Nebo vítěz Quentin Tarantino, který se kdysi jmenoval Taxi Driver ”; největší studie o charakterech první osoby, která se kdy zavázala k filmu, a my tu nejsme, abychom nesouhlasili. Co bylo na tomto období v Scorseseho kariéře tak pozoruhodné, je to, že mohl přímo do očí vypadat rasistického psychopata jako Travis Bickle (Robert Deniro), neomluvit se, ani vyleštit žádný z jeho bradavic, ale filmově nás pozval do svého světa způsobem, který nás přiměl pochopit ho. Scorseseho halucinatorní snímky smíchané s scenáristou Paul Schraderův hlasový skladatel a skladatel Bernard Hermannův dechový partitura vytváří noční můru v New Yorku 1976, která je natolik naplněna filmovou bujarostí, že je tak vzrušující, jak to je děsivé.

Ve skutečné podobě Paul Schrader nás film připravuje konfrontovat násilí a šílenství nepříjemným, krvavým a otřesným způsobem. Je to kontroverzní konec, typ, který řídí konverzaci v cinefilských kruzích a odpuzuje diváky v hordách. A přesto, o 40 let později, tento zkroucený, pochmurný portrét psychopata není pouhým klenotem Criterion Collection, ale americká filmová klasika citovala („Mluvíš se mnou?“) A přetočila se, jako by to bylo, „Jaws ”; ; nebo Kmotr. ”; Ve filmové historii není žádný obraz, který by obsahoval něco jako nemovitost zabranou řidičem taxi. ”; -CO



Nejlepší Články

Kategorie

Posouzení

Funkce

Zprávy

Televize

Sada Nástrojů

Film

Festivaly

Recenze

Ocenění

Pokladna

Rozhovory

Clickables

Seznamy

Videohry

Podcast

Obsah Značky

Ocenění Season Spotlight

Filmový Vůz

Ocenění Sezóna Spotlight

Ovlivňovače